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Brassaï fotografía la velocidad y el color de Estados Unidos

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Brassai. Estate Brassai.MRMN.diChroma photography

La Sala San Benito de Valladolid acoge la exposición fotográfica "Brassaï en América, 1957", del 30 de abril al 29 de junio próximos. La muestra, que consta de 57 fotos vintage en blanco y negro y 50 fotos en color, está comisariada por Agnès de Gouvion Saint Cyr y ha sido organizada por diChroma photography con la colaboración del Estate Brassaï. El origen de esta exposición es un viaje que realizó el fotógrafo francés a Estados Unidos en 1957, invitado por la revista Holiday para fotografiar Nueva York y Nueva Orleans. El resultado es un reportaje con imágenes inéditas en el autor, sobre todo por salirse de su ambiente habitual de París y por el medio centenar de fotografías en color que incluye. Brassï cambió de ritmo y pasó de la horizontalidad parisina a la verticalidad y la velocidad de Nueva York. Este proyecto es, asimismo, el resultado del éxito de su exposición neoyorquina sobre los «grafiti» parisinos, que cambió la relación del artista con Estados Unidos. Con posterioridad, su talento sería reconocido en 1968 con una amplia retrospectiva en el MoMA. Acompaña a la exposición el libro del mismo título editado por Flammarion. 

¿Brassaï?

¿Brassaï? Todo el mundo en seguida asocia a este inmenso fotógrafo ―que aunque de origen húngaro se hizo tan parisino― las imágenes de un París clandestino, que retrató en los años treinta. Amigo de los surrealistas, cercano a Picasso, dibujante, escultor, escritor, inventor volcánico y multifacético, Brassaï simboliza el espíritu mismo de una fotografía inimitable de la cual es, junto a André Kertéz y a Henri Cartier-Bresson, el más ilustre representante. Supone por lo tanto un auténtico acontecimiento poder descubrir por primera vez en España, más de treinta años después de su desaparición, parte de su obra fotográfica hasta ahora ignorada, realizada en 1957 en América, y en su mayoría en color, algo inédito en alguien como él, únicamente conocido por su trabajo en blanco y negro.

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La pintura de Francisco Menéndez-Morán y la mística del paisaje

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Estación a ninguna parte_ óleo sobre lienzo - 106 x 180 cm - 2014La galería madrileña Antonio de Suñer (Barquillo, 43) acoge la exposición "Las Estaciones" del pintor Francisco Menéndez-Morán, que estará abierta al público hasta el 17 de mayo.

La formación en la Facultad de Bellas Artes de Madrid marcó la carrera de Menéndez-Morán. Sigue fiel a la figuración. Así lo manifiesta la exposición que presenta en la Galería Antonio de Suñer. Sus Estaciones, tanto del tiempo como de la vida, son una sinfonía de luces atrapadas en el discurrir de las épocas, de las temporadas; siempre con un paisaje de referencia, cada cuadro atrapa un momento distinto que marca el paso del tiempo. Su oficio se muestra excelente. Ya cosechó éxitos, como el Premio Carlos de Haes, en 1989, en cuyo jurado figuraba Antonio López, maestro del que no se olvida. Por eso su propuesta es minuciosa, trabajada pincelada a pincelada hasta lograr unas superficies llenas de matices.

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Algo huele mal, yo no quiero ser un artista contemporáneo, de Benxamín Álvarez

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Asoma una época narcótica donde casi nadie se molesta en mirar y comprender el proceso de una obra de arte

Bajo la amarronada y pestilente superficie de esa actualidad sumergida en la corrupción y la desesperación, llena de frivolidad y de vanidad estética, asoma una época narcótica donde casi nadie se molesta en mirar y comprender el proceso de una obra de arte. La frivolidad no es Manzoni y su “Mierda de artista” (que parece ser que ni siquiera era mierda de artista) sino que sus límites atraviesan el mundo en una red de intereses, de amiguísimo y de oportunismo que llenan los debates, las inauguraciones y los staffs.

Gillo Dorfles predijo que el crítico acabaría sustituyendo al artista. El gran crítico italiano quizá sólo erró en la nomenclatura, pues la palabra que lo define a él mismo ha sido paulatinamente remplazada por otras como comisario, curator o gestor cultural. Emmanuel Lévinas, más autocrítico (y disculpen el chiste fácil), nos dice que no sólo el nombre su la figura, tal como se entendía en el siglo anterior, ya ha desparecido. Hoy en día, quien construye el discurso y dicta el sentido del arte ya no son los artistas (siempre jóvenes, siempre salvajes, siempre ingenuos, siempre prescindibles), ni, por supuesto, tampoco los críticos (borrados prácticamente de la prensa escrita y del panorama digital) sino estos nuevos "coach" culturales. Tanto en la más aparatosa de las bienales como en la más humilde de las colectivas de centro cívico, siempre hay un comisario dispuesto a hacer el descubrimiento de un artista. Ellos son una especie de agentes secretos que, desde una posición extra-artística (o, a lo sumo, para-artística) articulan cuáles son los centros de interés, quienes señalan la nueva tendencia y quienes la finiquitarán cuando convenga y les plazca.

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PER/FORM. CÓMO HACER COSAS CON [SIN] PALABRAS

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El CA2M analiza en una exposición la importancia del arte de acción en la actualidad

PER/FORM. CÓMO HACER COSAS CON [SIN] PALABRAS, CA2M

COMISARIA CHANTAL PONTBRIAND 

La performance y la performatividad toman el protagonismo en estos tiempos, y hay más de una razón para ello. El hecho de que vivamos en un mundo cada vez más “inmaterial”, dominado por lo mediático (que algunos tildan de espectáculo), el impacto de la globalización, la tendencia creciente de concebir la política como biopolítica… Todos estos factores impulsan a la performance por encima de lo material y de la creación de objetos. La performatividad explora el espacio intermedio, lo que ocurre cuando dejamos que los cuerpos y los objetos actúen en una performance. Representar una performance es permitir que uno mismo o los objetos trabajen a través de su forma. Y dejar que la forma hable por sí misma. 

La performance y su representación son conceptos que activan la realidad y que entran en juego con el mundo. El resultado no es lineal ni unidimensional. Lo real se convierte en un organismo complejo de múltiples facetas. En este sentido, la performatividad (o lo que activa la representación y la performance) ofrece resistencia a la homogenización del mundo. Lleva a la renovación y el cambio y amplia la potencialidad de los objetos y los seres. En un mundo formado por el capital y el peso de la historia, necesitamos el cambio y la performatividad para desbloquear mentalidades y situaciones. 

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