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“EMPECÉ A MIRAR A LA FOTOGRAFÍA DESDE OTRO ÁNGULO, COMENCÉ A EXPRESARME CON ELLA, TENÍA ESA NECESIDAD, Y DE A POCO COMENZÓ A SALIR MI PARTE ARTÍSTICA”.

Apasionante, sorprendente, disfruto, reto, perseverancia, orgullo, energía, genial, fantástica o placentero, todas ellas son palabras que encontrarán en esta entrevista porque son las palabras principales del vocabulario de Mercedes Fittipaldi, una artista que utiliza la fotografía como base para su arte y nos atrevemos a decir que también como base en su vida puesto que escuchándola hablar se comprende que ese entusiasmo por el arte y el duro trabajo no puede ser más que el resultado de un profundo enamoramiento por la cámara. No hay nada más íntimo ni más fuerte que el amor, y el de Mercedes Fittipaldi por la fotografía es de los fieles y sinceros.

TalentyArt: Una de las cuestiones siempre interesantes sobre un artista es cómo y cuándo nace como tal. ¿Cómo descubre Mercedes la fotografía?

Mercedes Fittipaldi: Llego a fotografía porque desde pequeña me atraía muchísimo. Para mí era mágico poder inmortalizar todo lo que estuviera delante de mí. Fuera lo que fuera, desde mi familia, amigos o mi mascota, siempre tenía que tener la cámara cargada con algún carrete y lista para ser usada.

Tenía un tío que se dedicaba a la fotografía, entonces cuando iba a su estudio, me encantaba ver negativos, fotografías, cámaras… era muy emocionante estar en su estudio rodeada de todo aquello. Con el tiempo empecé a involucrarme más y comencé a estudiar, realicé varios cursos y me fui comprándome las cámaras. Luego abrí mi propio estudio y comencé en este mundo tan maravilloso, que aún no deja de sorprenderme día a día.

TyA: Aunque ya la fotografía siempre ha sido un interés personal no es hasta hace escasos siete años cuando decides centrar tu vida en ella, ¿cómo describirías la experiencia de empezar en el arte y abrir tu estudio desde cero siendo ya treinteañera?

MF: Fue apasionante, muchas cosas en la cabeza, abrir un estudio y entrar de a poco en el mercado no fue tarea fácil, había muchas cosas que hacer, fue todo un reto. Además porque cuando abrí el estudio yo no hacía fotografía artística, era más bien comercial, pero de a poco en mis momentos libres empecé a mirar a la fotografía desde otro ángulo, comencé a expresarme con ella, tenía esa necesidad, y de a poco comenzó a salir mi parte artística que estaba dormida, comencé a meterme en el mundo del arte.

“Fotográficamente hablando, no necesitamos idiomas”.

TyA: Como hemos comentado, sólo hace siete años que te dedicas profesionalmente a la fotografía y sin embargo ya has participado en muchas exposiciones, publicaciones y concursos. ¿En dónde está la clave de una carrera con tanto reconocimiento en tan poco tiempo?

MF: No lo sé, quizás sea por mi perseverancia, mis ganas de seguir y de luchar por lo que siempre me apasionó. Y veo que obtengo del otro lado respuestas, eso significa que lo que hago gusta y me llena de orgullo, me da mucha energía para seguir creando.

TyA: Aunque resides en España tienes doble nacionalidad: italiana y argentina. Entre los distintos países del mundo la manera de hablar y expresarnos puede variar enormemente. Pensando en la fotografía, ¿de verdad hablamos todos el mismo idioma?

MF: Pienso que si, para comunicarnos en este mundo, fotográficamente hablando, no necesitamos idiomas, una imagen nos vale, y con ella podemos expresar y “decir” muchas cosas, nos da la posibilidad de traspasar fronteras, culturas, nos permite hablar un mismo idioma.

TyA: ¿Moderna o nostálgica? ¿Cámara digital y retoque o fiel a la analógica y el revelado?

Las dos cosas, me gusta jugar e interactuar con la nostalgia y la modernidad, hay un momento para cada una de ellas. Utilizo para fotografiar, cámaras analógicas, cámaras digitales, y hasta cámaras estenopeicas echas por mí. En mi estudio, tengo también mi cuarto oscuro, donde me permite revelar los negativos y volver a las raíces de vez en cuando, es genial, preparar los químicos, sumergir el papel en ellos y ver lentamente como la imagen va apareciendo. El retoque digital, lo utilizó, pero muy poco, ya que no me gusta manipular mucho la imagen, trato de prepara todo bien antes de disparar, es decir, que el encuadre sea el correcto, mediar bien la luz, que todo este bien a la hora de disparar.

TyA: Cuando hablas de tu trabajo, describes el momento del disparo como “(…) la emoción al sentir haberle atrapado el alma (a un objeto o persona)” ¿Cuánto hay de poesía en tu enfoque de trabajo?

MF: Mucha gente me lo dice, y me da la sensación que ya es algo característico en mi fotografía, como un sello.

Si te soy sincera no se como lo hago, no encuentro las palabras adecuadas para explicarlo, pienso que es una conjunción de sentimientos, una manera de sentir, una manera de expresión que fluye sola e inconscientemente. Siempre digo que es un momento, es cuando estoy a un segundo del disparo y de la captación de la imagen, por eso siento que tengo la sensación de haber atrapado el alma, y es ahí cuando luego esa “poesía”se ve reflejada en las mis fotografías.

“(...) ES UNA CONJUNCIÓN DE SENTIMIENTOS, UNA MANERA DE SENTIR, UNA MANERA DE EXPRESIÓN QUE FLUYE SOLA E INCONSCIENTEMENTE”.

TYA: “En mi mundo”, “Bajofondo”, “Emergiendo”… ¿Cuánto hay de biografía en tus series fotográficas?

MF: Muchas de mis fotografías, van relacionada a mi vida personal, a mis sentimientos, a mis historias vividas o simplemente expreso mi manera de ver la vida. En algunas otras, solo cuento historias que la vida nos muestra día a día.

TYA: ¿Cómo surgió la serie “Diálogos con el arte”? Una propuesta de mirar a los clásicos sin duda original y con un resultado espectacular.

MF: Comenzó en al año 2009, había un concurso en el cual la temática era la Belleza clásica, y decidí realizar La Piedad, de Miguel Ángel, ya que me pareció fantástica, y como me gusta el arte en general decidí recrear algunos cuadros de pintores que me gustan mucho, llevándolos a la fotografía, dialogando fotográficamente con ellos y sus pinturas, es así como nace “Diálogos con el arte”.

TYA: Muchos de tus trabajos como “Naturaleza humana” requieren de un gran trabajo de caracterización y suponemos, de mucho trabajo de producción y post-producción: ¿Disfrutas más con la obra pensada y planificada para obtener el mensaje que quieres o en la intimidad prefieres la instantánea sin intervención?

MF: Disfruto con las dos por igual, aunque sean situaciones diferentes, el resultado final siempre es el mismo…, la obra pensada y planificada me hace disfrutar con antelación, desde el momento que empiezo a armar el proyecto, buscar la localización más adecuada, el atrezzo que se va a necesitar, la modelo a retratar, mi cabeza no deja de pensar, me surgen ideas, que luego a veces las cambio…es una locura por momentos…. Pero luego al ver los resultados siento que valió la pena.

Y la diferencia de la obra instantánea, es un instante, es ahora o nunca, y la sensación de haber atrapado ese momento, es placentero.

TyA: Antes de despedirnos, nos gustaría nos recomendaras un artista que sea un referente para ti.

MF: Hay muchos, te podría nombrar por ejemplo a W. Eugene Smith, Dorotea Lange, Brassai, Julia Margaret Cameron, Henri Cartier-Bresson, entre otros.